Sunday, October 21, 2012

Ilustracion de la Moda


"La ilustración tiene la capacidad de dar vida a una idea, una creación, una ilusión. Materializa el diseño de una prenda antes de su elaboración y es capaz de transmitir emociones y conceptos sin palabras"
La moda que vemos desfilar en las pasarelas ha sido primeramente elaborada en la mente del diseñador. Las ideas son plasmadas en papel, de manera natural y espontánea en algunas ocasiones, como las notas brotan en la partitura del compositor. Los bocetos pueden dar lugar a un maravilloso vestido o a una fantástica colección. Los dibujos son la representación física de las ideas que nacen en la mente de muchos diseñadores, compartiendo a través de sus manos, una creatividad expresada mediante distintas técnicas como el carboncillo, la plumilla, la acuarela o el diseño gráfico. En otras palabras, las ideas que los diseñadores han plasmado directamente en el papel, salen de ahí al mundo real, por lo que es necesario que los bocetos transmitan claridad y un estilo propio que les defina y les distinga de los demás. No basta sólo con ser un buen dibujante, es necesario además tener entusiasmo por la moda y conocer las tendencias.
Dentro de la ilustración manual podemos encontrar distintas técnicas. Las más conocidas son:
Ilustración con lápices de color. Esta técnica consiste en rellenar toda la ilustración únicamente con la ayuda de lápices de colores especiales para diseñadores e ilustradores, existen gran variedad de marcas en el mercado, pero la más conocida sin duda, es prismacolor.
Ilustración con marcadores. El rellenado de la ilustración se hace con marcadores v con base en alcohol, existen diferentes marcas las más conocidas son los chartpak.
Ilustración con acuarelas. Esta técnica logra acabados más artísticos, consiste en rellenar la ilustración con pastillas de color diluidas en agua con un pincel. También hay presentación en tubitos. No es una ilustración muy detallada.

Técnica mixta. Esta técnica es una de las más utilizadas ya que permite realizar bocetos con detalles muy específicos y es muy fácil comprender cada uno de ellos. Consiste en combinar dos o más de las técnicas básicas, en especifico combinar materiales, como usar base de marcador o acuarela y sombrear o lograr texturas con lápices de colores. etc... Muchos ilustradores combinan además, las técnicas manuales con la tecnología y retocan sus ilustraciones con softwares.

http://www.universidadalfonsoreyes.edu.mx/index.php


Thursday, October 11, 2012

Diseño de Modas

Diseco de Modas

El diseño de modas se encarga de diseño de ropa y accesorios creados dentro de las influencias culturales y sociales de un período específico.
Diseñar tiene un fin:

  1. Fin estético: pretende crear una respuesta en quién lo observa siendo la belleza su único eje.
  2. Fin ergonómico: diseño de una cobertura en perfecta armonía con la fisiología humana, haciendo que ésta mejore en uno o varios aspectos.
  3. Fin de personalidad: mediante la cobertura se sugiere un tipo de vida, inclinaciones políticas, culturales, religiosas o de carácter.
  4. Fin de situación: analizando el envoltorio se sitúa al individuo en un contexto histórico y geográfico concreto.
  5. Fin emotivista: mediante la imagen que se proyecta, se induce una respuesta emotiva
La moda puede ser definida como un mecanismo que regula las elecciones de las personas ya que, por una especie de presión social, indica a la gente qué debe consumir, utilizar o hacer. La moda se convierte en un hábito repetitivo que identifica a un sujeto o a un grupo de individuos.
Por lo general las celebridades son quienes imponen una moda. Si una estrella de Hollywood se muestra en un evento con un vestido de color rosa, es probable que millones de mujeres quieran comprar y utilizar el mismo vestido. De esa manera se construye poco a poco la tendencia que se convierte en moda.
Del italiano disegno, la palabra diseño se refiere a un boceto, bosquejo o esquema que se realiza, ya sea mentalmente o en un soporte material, antes de concretar la producción de algo. El término también se emplea para referirse a la apariencia de ciertos productos en cuanto a sus líneas, forma y funcionalidades.

El diseñador de modas que hace es llevar a cabo la creación tanto de ropa como de joyas y complementos adecuadas a las tendencias que existen en la sociedad del momento o bien a las que él mismo impone. Básicamente podemos establecer que tres son los principales tipos de diseño de moda: la alta costura, la moda prêt-à-porter y la llamada “mercado de masa”.
Con respeto a la primera categoría podemos subrayar que existen figuras muy importantes en la misma, diseñadores y diseñadoras, que se han convertido en un referente a nivel mundial e histórico. Entre ellos se encontrarían Coco Chanel, Carolina Herrera, Christian Dior, Giorgio Armani, Domenico Dolce & Stefano Gabbana o Gianni Versace.
No obstante, actualmente entre los más admirados y seguidos habría que hablar de Valentino, Jean Paul Gaultier, Yves Saint Laurent, Ralph Lauren, John Galliano, Paco Rabanne o Marc Jacobs.


Hay tres tipos principales de diseño de modas:

Alta costura

El tipo de moda que predominó hasta los años 1950 fue la moda "hecha a medida" o haute couture (francés para "alta costura"). El término "hecho a la medida" puede ser usado para cualquier prenda que sea creada para un cliente en particular. Alta costura, sin embargo, es un término protegido que puede ser usado sólamente por compañías que cumplen ciertos estándares bien definidos por la Chambre Syndicale de la Couture. Una prenda de alta costura está hecha por orden de un cliente individual, y está hecha usualmente de textiles costosos de alta calidad, confeccionada con extrema atención en los detalles y el acabado, generalmente usando técnicas a mano que toman mucho tiempo.

Moda lista para llevar

La moda "lista para usar" (o Prêt-à-porter) es un punto medio entre alta costura y mercado de masa. No está hecha para clientes individuales, pero se toma gran cuidado en la elección y el corte de la tela. La ropa está confeccionada en pequeñas cantidades para asegurar la exclusividad, por lo cual es más bien costosa. Las colecciones de prendas listas para usar son usualmente presentadas por casas de modas en cada temporada durante un período conocido como «semana de la moda» que toma lugar dos veces al año.

Mercado de masa

Actualmente la industria de moda cuenta sobre todo con las ventas del mercado de masa. El mercado de masa cubre las necesidades de un amplio rango de clientes, produciendo ropa lista para usar en grandes cantidades y tamaños estándar. Materiales baratos usados creativamente producen moda accesible. Los diseñadores de mercado de masa generalmente adaptan las modas establecidas por los nombres famosos en el área de la moda. Esperan generalmente una temporada para asegurarse de que un determinado estilo tendrá éxito antes de producir sus propias versiones de éste. El producto final puede ser vendido a un precio mucho más bajo que un producto de cualquiera de los otros dos métodos de producción.





Coco Chanel - Fashion fades, only style remains the same.
La Moda se va, el estilo queda igual

Coco Chanel (Gabrielle Chanel) nacio en un hospicio de Saumur, el 19 de Agosto de 1883. A los 10 su madre muere de tuberculosis, vivian en extrema pobreza, el padre manda a Coco y a sus hermanos a vivir a un orfanato a cargo de sus tias.
En el orfanato las monjas le ensenaron a coser y asi le consiguieron traajo de modista, aun asi su sueno era convertirse en cantante, y entro a un cabaret a cantar, durante tres años ejercio de cantante, y gracias a su adentramiento al mundo de la farandula, consiguio tener relaciones que le ayudaron a ser una renombrada modista.
De la mano de uno de sus primeros adinerados amantes partió a París, y así en 1909 se instaló en un pequeño apartamento en el Boulevard de Malesherbes, donde rápidamente abrió su primera tienda de sombreros, Modas Chanel.
Siempre apoyada económicamente por sus compañeros de cama, unos años más tarde se instaló en localidades que frecuentaban los ricos: Deauville, Normandía, (1913) y Biarritz (1916).
Guiada por su espíritu libertario, Coco no tuvo complicaciones para vincularse con adinerados hombres de la sociedad europea ni con estrellas del cine. Ocultó además celosamente su humilde pasado: mentía sobre sus orígenes y recurría al esnobismo.
Fue el playboy Etienne Balsan (1873-1953) quien la colocó con su tienda de sombreros, pero su vínculo con el amigo de éste, el socialité y jugador de polo inglés Arthur "Boy" Capel, fue lo que posibilitó su éxito. Coco se enamoró perdidamente de Capel y se escapó con él; tenía la esperanza de convertirse en su esposa, pero nunca se casó con él, y éste prefirió casarse por conveniencia con otra mujer de alta alcurnia, si bien mantuvo a Coco como amante. En 1919 Capel murió en un accidente automovilístico; ningún otro hombre ocupó su lugar por un tiempo prolongado.
Observadora innata, criticaba la estricta moda que seguían las mujeres (grandes sombreros, cargadas de pieles de animales y flores, corsés y recargados diseños) y desplegó toda su imaginería hasta convertirse en una de las grandes diseñadoras del siglo XX, tan trascendental como Christian Dior y otros grandes que la siguieron.
Coco eliminó la moda recargada que imperaba, diseñando prendas muy sencillas, cómodas, de líneas rectas, pero con un toque de alta distinción; su moda fue rápidamente adoptada por el encumbrado público parisino. Su frase más célebre fue: «Todo lo que es moda pasa de moda» o «La moda pasa, el estilo permanece».
En 1954 y con 71 años, reabrió su casa de moda, pero ya otros diseñadores de renombre se habían instalado en su trono. Se mantuvo al frente de la firma con un extraordinario dinamismo y adaptándose a las diversas tendencias que recorrían el mundo.
Pero su vida solitaria, dominada por la artrosis y la morfina, terminó de forma tan impredecible como la vivió. El 10 de enero de 1971, Chanel había salido a pasear desde su departamento ubicado en el Ritz con vista a la Place Vendome, y cuando volvió al hotel se sentó a ver la televisión mientras le preparaban la cena. Con ella estaba su sirvienta personal en el momento de su deceso. Tenía 87 años.



Su cuerpo yace en Lausana, Suiza, resguardado por cinco leones de piedra. Actualmente la casa de moda Chanel sigue funcionando dirigida por Karl Lagerfeld.

Tuesday, October 9, 2012

Iluminación en Fotografía

La iluminación en fotografía consiste en dirigir y rebotar luz hacia un objeto con la intención de que ésta pueda ser registrada por una película, la luz resulta fundamental en la fotografía ya que sin ésta no es posible plasmar una fotografía.
La fotografía se hace a partir de la luz, que refleja el motivo y que impresiona la emulsion de la película.
La luz puede enfatizar los detalles importantes o eliminarlos por completo.

La luz
La luz puede ser reflejada, que es el metodo que usan los fotometros internos de las camaras, esto quiere decir que se mide la luz que refleja el area de interes.
La luz incidente esta se mide con un fotometro externo, y es considerada la mejor de todas porque mide la luz sobre el area de interes.
Las propiedades de la luz son: calidad, color de la luz y la direccion de la luz.
La calidad de la luz es la medida de la luz, luz dura y luz difusa, luz rasante y contraluz.
Se refiere al color de la luz, cuando es luz calidad o luz fria a su temperatura y al color luz.
Y la direccion de la luz es si va en plano vertical, horizontal o en triangulo de iluminacion.

Luz natural o Luz artificial

La luz natural es aquella que proviene del mismo sol y es influida en su paso por la atmósfera terrestre, además dependiendo de la hora del día puede dar diferentes matices en intensidad, dirección, dureza y color, lo que significa que una luz apta para determinado trabajo pueda tener una corta duración debido a la rotación de la tierra. Una ventaja de la luz natural es que permite hacer tomas fotográficas en exteriores y puede ser complemento a la luz artificial.

La luz artificial es aquella que proviene de lámparas, spots, flashes y otros objetos luminosos controlados por el fotógrafo, teniendo como ventaja el poder manipular la dirección, color e intensidad de éstas. Sin embargo el uso de luz artificial tiene un costo más caro de producción y requiere de conocimientos técnicos para manejarla adecuadamente; dependiendo de la cantidad de luces que se utilicen puede haber un límite de la extensión de la superficie iluminable, por lo que la luz artificial suele ser complemento de la natural y viceversa.

Iluminacion Frontal, Lateral y Contraluz

La iluminacion frontal es cuando la fuente de luz se encuentra a espaldas del fotografo y de frente al objetivo.
Debido a la cercania que hay entre la luz y la toma de imagen, se producen fotos planas con poca textura y pocos espacios con sombra. Ésta constituye la manera más básica e infalible de orientarse a la hora de disparar.

La iluminacion lateral es cuando el resplandor cae sobre el sujeto de un lado. Produce un contraste al mostrar un lado fuertemente iluminado y otro sombreado.

La contraluz convierte los motivos en siluetas, lo cual puede resultar conveniente para simplificar un tema conocido y lograr su abstracción, además de obtener la supresión de los colores.La fuente luminosa se encuentra detras del motivo.

Luz dura o Luz suave

Se entiendo como luz dura aquella que arroja fuertes y profundas sombras sobre los obejtos, suele ser util para darle dramastismo a la foto. Procede de fuentes alejadas como el sol y las bombillas y flashes.
La luz suave apenas produce sombras, consiguiendo tonos suaves y difuminados, es la indicada para retratos.
La luz semidifusa empieza inicialmente dura, que se suaviza un poco con difusores como cortinas, nubes y filtros.

Luz rasante muy angulada y lateral, transmite mucha nitidez y relieve a la imagen, el momento ideal para realizar fotos con este tipo de luz es al laba o al ocaso, cuando los rayos de sol esta inclinados horizontalmente.



Iluminacion frontal

Iluminacion lateral
Luz natural


Luz artificial

Contraluz
Luz dura

Luz rasante

Luz semidifusa

Luz suave





Monday, October 8, 2012

Moda de 1900 a 1930

En 1900 la silueta preferida por las mujeres era la silueta S, causo furor y fue muy popular en su tiempo.
Se lograba esta silueta con el corsé, que empujaba los senos hacia arriba, estrechando la cintura y formando la cadera en forma de campana.
Los vestidos eran largos y cubrian los zapatos empezaron a usar plumas y los encajes hacian furor.
Hubo una oleada de orientalismo debido a el diseñador Paul Poiret.

En 1910 surgen las clases de sastre y el corte con influencia masculina para mujeres que empiezan a incorporarse al mundo laboral. Silueta mucho mas recta, sin marcar la cintura. El look unisex se generaliza, se elimina la falda larga.

Aparecen prendas que son mas comodas para la mujer, faldas con vuelo que se acortan hasta la pantorrilla y cuerpos muchos mas amplios, como causa de esta comodidad del vestir, tenemos la moda androgina que se abrio camino en los 20s.

En esta epoca es cuando la moda es mas influyente ya que marco la division de clases sociales, solo las clases sociales altas eran las unicas capaces de poder importar sus vestidos o las telas de Francia, con tal de estar a la moda.Las clases medias pretendian seguir este modelo, pero sus recursos no eran los suficientes para cubrir los gastos de hacer un vestido tan caro en las grandes casas de couture francesas.

Gibson Girl
La chica Gibson fue el standard de belleza y moda de los 1900 en EEUU, era alta delgadqa con un busto amplio y con caderas. Tenia un forma exagerada en S que se lograba usando un corse de pico de cisne. Su peinado era un estilo Pompadour y usualmente mostraba a las mujeres de alta sociedad.

En 1920 la ropa comenzaba a ser mucho más práctica. Nuevamente vuelve a cambiar la silueta, descendiendo la cintura a su posición anatómica, marcando el talle y ensanchando los hombros. Se popularizaba el traje de chaqueta para calle y para las fiestas se elegían los vestidos con grandes escotes en la espalda así como abrigos largos con pieles. En esta década se destacan las faldas cortas.

En esta década las mujeres cambiaron su aspecto blanco por la apariencia natural del polvo facial rosado. Los años 20 fue una de las más revolucionarias del siglo xx. Las mujeres se destaparon y comenzaron a beber y a fumar en público como una provocación al rígido estatus que reinaba a principios de los años 1900. Las mujeres lucían fatales de boca roja, cabello corto y ojos pintados con sombras oscuras, y bailando jazz hasta el amanecer. Esta fue, probablemente, la década más atrevida y transgresora. Fue una época de cambio radical que afectó todos los aspectos culturales y que repercutió con fuerza en la moda.

El maquillaje de los 20s era un maquillaje recargado y muy dramatico, el maquillaje en los ojos era negro dando la apariencia de tener el parpado superior caido, fue muy popular en el cine, porque daba la ilusion de damisela en apuros, la boca era pintada de rojo dando una forma de corazon a  los labios, en la industria del cine la boca era pintada negra tambien, para que se viera el contraste con una piel muy blanca en pantalla. Usualmente se maquillaban un lunar negro a la altura de la mejilla, lo que daba un aire seductor en su arreglo.

En esta era una especie de feminismo tomo poder en forma de las "Flappers", la moda Flapper es el epitome de la decada de los 20, cuando buscamos moda de los 20, lo primero que vemos es la moda flapper.
Las Flappers eran aquellas mujeres que se revelaban con el papel que debian tomar en la sociedad. Fue en un periodo de liberalismo social.

Llamado Garçonne  las flappers buscaban un aspecto masculino. Se popularizo un corte de pelo simétrico llamado bob cut, donde el flequillo es recto cayendo por encima de las cejas, y el largo puede tener una longitud cortado desde la altura de las mejillas o hasta los hombros. Fue sustituido más tarde por el corte Shingle bob ("corte tablilla") o Eton crop.in El primer muy parecido al bob cut pero más corto y sin flequillo, generalmente muy engominado para pegarlo lo máximo posible a la cabeza. El segundo, es reconocido por ser liso por la raíz y a la altura de las orejas lleno de rizos, muy popular en la década de los 20' porque era ideal para llevar con sombreros Cloche. Las flapper se teñían el cabello de negro azabache o de rubio platino.
Las flappers no acabaron con los corsés, sino que los "mejoraron" a sus "necesidades" estéticas. Irónicamente, a pesar de su imagen provocadora, en vez de llevar los corsés para resaltar las curvas, reducir cintura, y marcar busto y cadera como se hacía hasta los años 20, las flappers usaban los corsés para moldear una figura sin formas, reduciendo pechos y caderas, dando una imagen más infantil, frágil y de efebo. El corsé, que solía llegarles hasta el comienzo de la pierna, llevaba liguero para sujetar las medias de seda negra o blanca.
Las flappers llevaban vestidos vaporosos y con amplios escotes, dejando al descubierto los brazos, generalmente con cinturones colgando de la cintura para acentuar levemente el cuerpo menudo y esbelto entre las holgadas prendas. Las faldas tenían el corte justo por debajo de las rodillas hasta 1927, permitiendo un elegante y provocador vuelo que dejaba ver las rodillas considerablemente cuando una flapper bailaba o caminaba. Las flappers solían maquillarse las rodillas para que resaltasen cuando se mostrasen fugazmente en los movimientos de la falda.
Los accesorios se convirtieron en una parte muy importante del vestir. Por lo general consistía en piezas de joyas de Art Deco, con muchas capas de collares de perlas. Los guantes largos, los bolsos para la calle, sombreros, estolas de pelo, anillos, broches y zapatos con tacones imposibles son complementos que no podían faltar en una flapper.
Los sombreros Cloche eran también muy comunes entre las flappers. De copa hemisférica, cuerpo cilíndrico y pequeña ala recta con pliegue a un lado, estaba realizado por el entrecruzamiento de cintas de seda. Era más sencillo, práctico y permitía libertad a la hora de caminar. El fieltro era el material más usado ya que era el que mejor se adaptaba a la horma. Para el verano, los cloches se hacían de paja. Sombreros que podían pintarse para un mejor resultado.
Pero tal vez, lo más escandaloso de las flappers, era el evidente uso de maquillaje, anteriormente limitado a las actrices y prostitutas. Las flappers palidecían la piel con polvos de talco, resaltaban los labios con rojo carmín y los ojos con delineador negro.
Aunque al principio de la década de los 20 las flappers lucían una piel blanca como la nieve, el bronceado en la piel se volvería cada vez más popular entre estas mujeres después de que Coco Chanel, una revolucionaria diseñadora de modas y creadora de perfumes francesa, tras pasar demasiado tiempo al sol de vacaciones se pusiera muy morena.

En 1930 llego la Gran Depresion, no solo afecto a los EEUU si no que todo el mundo cayo dentro de esta crisis economica, el dinero escaseaba y las telas escaseaban tambien, se tuvo que recortar el uso de mucha tela para crear esos trajes vaporosos y muy accesorizados de los 20s, se introdujo el traje de chaqueta, llamado el uniforme de ciudad. Los trajes de 2 piezas eran muy comunas y los accesorios se convirtieron en minimos, Usaban los zapatos topolino, de corcho y los gorritos diminutos que eran muy sencillos o simplemente pañuelos a la cabeza. Por la escasez de textiles los colores mas utilizados fueron el negro y el blanco, la ropa se ajustaba a la cadera y a la cintura, y se comienza a utilizar la ropa interior armada.
El largo se elevaba por debajo de las rodillas popularizando los pantys, aunque fueron escasos.
En el cine en los 30s seguia habiendo una ola de glamour, esto hacia que los animos subieran en estas epocas dificiles.
Es la década de la Garbo, de Marlene, de Coco Chanel; la de la silueta ceñida, las melenas rizadas, las cejas larguísimas; la Ginger Rogers y Fred Astaire; también la de la Harlow y la Crawford; y cómo no, la de los primeros trajes de baño y las primeras pieles tostadas al sol.
Grandes tocados con visera, estolas de zorro, zapatos bicolores, carteras.
Elsa Schiaparelli artista italiana mujer cultivada y amante de las artes, eran la gran rival de Coco Chanel. Incluía referencias surrealistas en su ropa.


Gibson Girl 1900

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